Le cornici invisibili di Chiharu Shiota: com'è la mostra al MAO di Torino?

Chiharu Shiota, Wall (2010; video in alta definizione, colori, suono, durata 3'39''; Collezione dell'artista)

Articolo di Ilaria Baratta, www.finestresyullarte.info - 12 Marzo 2025

In un viaggio che avvolge l'intera MAO a Torino, la mostra monografica The Soul Trembles rivela che lo spettacolare delle grandi installazioni di Chiharu Shiota non è mai un fine in sé. Tra fili rossi e neri, ricordi, assenze e connessioni, la mostra ci invita a riflettere sui legami che attraversano l'esistenza, avvolgendo il visitatore nel senso letterale del termine. Ecco come appare la mostra MAO: il rapporto di Ilaria Baratta.

Più di una volta in queste pagine abbiamo parlato della crescente presenza in mostre, biennali e fiere d'arte di installazioni spettacolari, opere immediatamente colpite per la loro forza visiva ma spesso fragili o superficiali dal punto di vista concettuale. O la diffusione negli ultimi anni di mostre su Instagram, perfette da condividere sui social network, ma prive di profondità.

Tuttavia, il fatto che un'opera o un'installazione sia particolarmente fotogenica non implica automaticamente che sia priva di significato, né che il suo valore venga esaurito nella resa estetica dell'immagine. Un'opera visivamente potente può allo stesso tempo portare temi complessi, riflessioni che vanno oltre il suo impatto immediato, tanto che ridurre la domanda a una sorta di equazione matematica – bello da fotografare equivale a opere vuote – sarebbe troppo semplicistico e talvolta ingiusto. Questo è il caso della grande mostra monografica Chiharu Shiota: L'anima trema, attualmente in mostra fino al 28 giugno 2026 al MAO Museo d'Arte Orientale di Torino, sotto la direzione di Mami Kataoka, direttrice del Mori Art Museum, un'istituzione museale con sede a Tokyo che ha collaborato con il museo di Torino per curare la mostra, e Davide Quadrio, direttore del MAO, in collaborazione con Anna Musini e Francesca Filisetti. È chiaro che The Soul Trembles è una mostra molto scenica (e non c'è nulla di male in questo, dato che l'artista giapponese è anche scenografo, una sezione è dedicata a questo aspetto) e che sono proprio le installazioni monumentali e spettacolari a essere le opere più fotografate dell'intera mostra: Le installazioni più famose di Chiharu Shiota occupano intere stanze del Museo d'Arte Orientale, avvolgendo gli spazi in cui sono collocate e a loro volta avvolgendo i visitatori stessi, che possono letteralmente attraversarle; sono quindi estremamente fotogenici, instagrammabili e adatti alla condivisione sui social network, ma portano anche significati profondi, intimi e allo stesso tempo universali. Essenzialmente parlano di connessioni: con gli altri, con il proprio corpo, con l'ambiente, con gli oggetti, con il cosmo. I fili di lana intrecciati e aggrovigliati, in un rosso intenso o nero corvo, ridisegnano completamente gli ambienti, creando luoghi immersivi di straordinario potere. Ma il loro potere visivo non è mai un fine in sé. Attraverso questi tessuti, il visitatore è invitato a riflettere sui legami che attraversano la nostra esistenza: le relazioni che ci uniscono, i fili sottili che collegano la vita alla memoria, alla presenza nell'assenza, al visibile e all'invisibile. È un invito a riconoscere che ogni spazio e ogni corpo sono attraversati da una rete silenziosa di relazioni, una trama che ci tiene uniti e che, come filati di lana, può allungarsi, rilassare, impigliarsi o aprirsi a nuove forme di significato. "I fili sono tessi, aggrovigliati, spezzati, annodati, tesi. A volte i fili che manipolano il cuore possono persino diventare un'espressione delle relazioni tra le persone," spiega Chiharu Shiota, che sottolinea che l'opera può essere considerata conclusa quando non si è più in grado di seguire i singoli fili che la compongono: "È in questo momento che sento di poter intravedere ciò che c'è oltre e toccare la verità," Dice.

Chiharu Shiota, Viaggio incerto (2016-2025; metallo e lana, dimensioni variabili), MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, Italia, 2025. Foto: Giorgio Perottino.

La grande installazione Viaggio Incerto, in cui si immerge non appena si entra negli spazi espositivi temporanei del Museo di Torino, è un esempio sorprendente di queste installazioni ambientali in cui fili di lana rossa trasformano lo spazio espositivo in modo straordinario: cornici di barche nude sono disposti nella stanza, distanziati, mentre fili rosso intenso attraversano le parti passeggeri delle barche e poi si alzano fino al soffitto, dove si trasformano in grandi gruppi di colori, così densi da diventare impenetrabili all'occhio. L'intero pezzo, intriso di questa fitta rete di fili rossi, sembra suggerire l'idea dei molti incontri, reali o possibili, che attendono alla fine di questo viaggio incerto, amplificando così la sensazione di sospensione e incertezza. Subito dopo, incontriamo Out of My Body, fili di fili rossi sospesi con parti del corpo sparse sul pavimento: un'opera che nasce da una profonda percezione dell'artista, ovvero che la sua anima è stata in qualche modo lasciata indietro, abbandonata, mentre il suo corpo veniva trattato per combattere il cancro che l'aveva colpita una seconda volta. Per Shiota, l'uso del suo corpo come opera d'arte è un modo per dare forma a questa assenza, per immaginare ciò che non viene visto eppure continua a esistere nel vuoto che lascia dietro di sé. "Dispongo il mio corpo in pezzi sparsi e inizio a parlargli nella mia mente," spiega l'artista. "In un certo senso, capisco che è il significato dell'atto di collegare il mio corpo ai fili rossi. I disegni e le sculture esposti nella stessa stanza esprimono lo stesso concetto.

Chiharu Shiota, Out of My Body (2019; pelle, bronzo, dimensioni variabili), MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, Italia, 2025. Foto: Giorgio Perottino.

Segue In Silence, un'altra installazione visivamente potente in cui, questa volta, fili di lana nera si intrecciano e trasformano gli spazi. Questa installazione è nata da un ricordo personale dell'artista: "Quando avevo nove anni," recita un pannello della mostra, "un incendio è scoppiato nella casa accanto alla nostra. Il giorno dopo, c'era un pianoforte davanti alla casa. Bruciato fino a diventare nero come il carbone, mi apparve come un simbolo ancora più bello di prima. Un silenzio indescrivibile calò su di me, e nei giorni successivi, ogni volta che il vento portava l'odore di bruciato in casa, sentivo la mia voce scompigliarsi nell'aria. Ci sono cose che si insinuano nei recessi della mente e altre che, nonostante i loro sforzi, non trovano forma, né fisica né verbale. Eppure esistono, come anime senza forma tangibile. Più ci pensi, più il loro suono svanisce dalla mente e più la loro esistenza diventa concreta." Ed è proprio questo ricordo che In Silence evoca, attraverso un pianoforte bruciato e sedie anch'esse bruciate, posti in questa trama di fili neri di Alcantara che, pur simboleggiando il silenzio, dà l'impressione che il tutto riproduca musica visiva.

Chiharu Shiota, In Silence (2002-2025; pianoforte bruciato, sedia bruciata, filo di Alcantara, dimensioni variabili), MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, 2025. Foto: Giorgio Perottino.

Al contrario, in un groviglio di fili neri, troviamo abiti bianchi nell'opera Riflesso dello spazio e del tempo situati nelle gallerie espositive della collezione permanente. La particolarità di questa mostra risiede nella disposizione delle opere in tutto il museo, sia negli spazi espositivi temporanei sia in quelli della collezione permanente; è un progetto espositivo che coinvolge quindi l'intera MAO di Torino, creando così una grande immersione nell'arte di Chiharu Shiota. Per tornare all'opera appena menzionata, l'abbigliamento, come la pelle che ricopre il corpo, simboleggia il confine tra l'interiorità dell'individuo e il mondo esterno. L'idea evocata dai vestiti vuoti e inindossati è quella della sensazione di presenza nell'assenza, e quindi dell'assenza come traccia dell'essere. Poco prima, ancora sul pavimento della collezione permanente, incontriamo Accumulation: Searching for the Destination, un'installazione monumentale con centinaia di valigie sospese al soffitto da fili rossi. Le valigie evocano il concetto di memoria (l'opera è stata ispirata dalla scoperta di vecchi giornali all'interno di una valigia trovata a Berlino, dove vive l'artista), ma anche la condizione di migrazione di persone che lasciano la loro terra natale in cerca di un'altra destinazione. "Quando guardo una pila di valigie, vedo solo un numero corrispondente di vite umane", dice l'artista. "Perché queste persone hanno intrapreso questo viaggio? Ripenso ai sentimenti che hanno provato la mattina in cui se ne sono andati." Un'installazione che suggerisce il viaggio del rifugiato alla ricerca di una residenza permanente e che porta con sé tutto il suo bagaglio di ricordi, dalla terra che lascia a quella che spera lo accoglierà. È per questo motivo che, nella stessa stanza, vengono posate altre tre valigie sul pavimento e aperte: Dove andare, cosa esistere - Cemento e Dove andare, cosa esistere - Fotografie e Dove andare, cosa esistere - Tubo e Giornale. Il primo è riempito di cemento, il secondo di fotografie, il terzo di cemento, ritagli di giornale e un tubo di vinile; così tanti oggetti che suggeriscono un passato perduto, trasportati in valigie in un futuro dove nulla è certo.

Chiharu Shiota, Reflection of Space and Time (2018; vestiti bianchi, specchio, cornice, filo di Alcantara, 280 × 300 × 400 cm), MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, 2025. Foto: Giorgio Perottino.

Oltre alle installazioni di grande scala menzionate sopra, la mostra ripercorre in ordine cronologico la produzione di Chiharu Shiota attraverso dipinti, fotografie e video fin dall'inizio, per mettere in risalto e familiarizzare i visitatori con i temi e i concetti che l'artista ha espresso attraverso i diversi mezzi pittorici, performance e installazione. La mostra inizia dall'inizio, con il dipinto di una farfalla su un girasole che ha realizzato quando aveva solo cinque anni. Questo dipinto è stato realizzato durante il suo primo anno all'Università Seika di Kyoto, dove ha studiato pittura dal 1992 al 1996, e per il quale si è sentita frustrata di aver dato priorità al colore e alla tecnica senza esprimere contenuto. Fu durante il suo periodo di studio in Australia, presso la Scuola d'Arte dell'Australian National University a Canberra, che una sera Shiota divenne a sua volta un dipinto: appese una tela al muro, poi si spruzzò interamente con pittura rossa, incluso il viso, e infine avvolse un'altra tela intorno al corpo. Le foto di questo "atto di liberazione" del 1994, come lo ha chiamato lei, raccontano la storia di questa performance. "È stata la prima opera che non era un'opera d'arte concepita e completata, ma piuttosto un atto di espressione corporea in cui avevo messo tutto il mio essere," spiega, diventando così parte integrante dell'opera d'arte.

Le fotografie documentano anche la prima opera in cui l'artista utilizzò per la prima volta fili di lana, che in seguito divennero una caratteristica distintiva delle sue installazioni: l'installazione performativa From DNA to DNA, sempre del 1994, in cui Shiota giaceva nuda sul pavimento avvolgendosi in fili rossi che la collegavano a una grande trama di questi stessi fili che partiva dal soffitto di una stanza interna. Fino a che punto la trasmissione del DNA influisce su ciò che accade nella mente della persona che crea l'opera? È proprio questo riflesso che è all'origine dell'opera. Ci fu però un periodo in cui cercò di usare materiali diversi dai fili di lana, come mostrato nelle installazioni Flow of Energy or Similarity with bamboo canes, Accumulation with acornes, One Line with bean bags, iniziando anch'esso a riflettere sull'affinità che esiste tra l'ordine presente in natura e quello che esiste nel corpo umano. Un tema a cui è tornata negli anni 2000, quello del legame con la terra e la natura (simboli post-mortem e l'origine della vita), con varie altre performance, come quella presentata in Islanda durante la quale avvolge fili rossi intorno al suo corpo, creando una situazione di fusione tra sé stessa e il paesaggio. Qualche anno prima, nel 1997, un laboratorio condotto dalla pioniera della performance Marina Abramović in un castello nel nord della Francia l'aveva anche portata a sdraiarsi, completamente nuda, in una conca scavata in un terreno inclinato, dal quale doveva cercare di liberarsi senza troppa difficoltà: l'interesse della performance era evocare un senso di appartenenza a un paese molto lontano da quello in cui viveva eIncapace di tornare nel suo paese d'origine. Un video del 2010, Wall, visibile nella mostra, la mostra nuda incrociata da "vasi sanguigni" intrecciati con il suo corpo per riflettere sull'"esistenza di esseri umani incapaci di superare le barriere" di etnia, nazione, religione, ma anche famiglia, dove queste barriere/confini sono paragonabili a muri.

Chiharu Shiota, Accumulo - Alla ricerca della destinazione (2014-2025; valigie, motori, corda rossa, dimensioni variabili), MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, 2025. Foto: Giorgio Perottino.

Ci sono quindi, come questa mostra continua a sottolineare, legami con i propri ricordi, tra l'anima e il corpo, con la natura, con il proprio paese d'origine, ma anche con gli oggetti che si trovano nella vita quotidiana, come sottolineato dall'installazione Connecting Small Memories dove fili rossi collegano davvero tutto, ma sopra tutti gli altri individui (il filo rosso del destino che, nella credenza dell'Asia orientale, unisce le persone) e l'intero universo: In occasione della mostra, l'artista ha creato una serie di nuovi disegni in cui Shiota esprime il legame tra esseri umani e cosmo, oltre a riflettere sulla piccolezza del primo di fronte all'immensità dell'universo e quindi sul significato dell'esistenza umana. Una profonda riflessione che si è imposta anche su di lei di fronte alla ricomparsa del cancro durante la preparazione del progetto espositivo The Soul Trembles nel 2019.

Infine, l'ultima sezione è dedicata ai progetti di scenografie teatrali: dal 2003 ad oggi, Shiota ha progettato le scenografie per nove opere e produzioni teatrali; È quindi un capitolo importante nella produzione dell'artista. Tra le sue scenografie, si possono anche notare nelle fotografie esposte texture di cornici di finestre, che si riferiscono all'installazione Inside - Outside, un riflesso tra la sfera intima e il mondo esterno, visibile nella mostra nel corridoio che conduce all'inizio del percorso espositivo.

Le migliori fotocamere

Dopo questo lungo percorso nella produzione dell'artista contemporaneo giapponese che rappresentò il Giappone alla 56ª Biennale di Venezia nel 2015, è ora chiaro che The Soul Trembles non è semplicemente una mostra spettacolare, né un trionfo di immagini pensate per circolare sui social media. Piuttosto, è un'esperienza che invita i visitatori a mettere profondamente in discussione ciò che ci unisce: una riflessione sul filo invisibile che lega ogni individuo alla propria storia, agli altri e al mondo che abitano. Arrivati in Italia dopo un lungo tour internazionale da Tokyo a Parigi, il progetto espositivo del MAO a Torino, allestito per la prima volta in un museo d'arte asiatico, dimostra che ciò che ci affascina in queste opere e installazioni non è solo il materiale di cui sono composte, ma ciò che riescono a evocare e a ricordarci che, Come i fili che attraversano e trasformano gli spazi del museo, anche noi siamo intrecciati da relazioni e legami. Tutto ciò che resta è aspettare la mostra monografica Il senso della neve prevista al MUDEC di Milano per immergerci nella creazione artistica di Chiharu Shiota.

Chiharu Shiota, Inside - Outside (2019; cornici finestre, dimensioni variabili), MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, Italia, 2025.

ORARI

Martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica: 10-18
Giovedì: 12-22 (orario speciale in vigore fino al 29 gennaio 2026)
Lunedì chiuso

DOVE

Museo d’Arte Orientale
Via San Domenico, 11
10122 Torino | Italia
Centralino 011 443 6932